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，带着或多或少的绝望坚持着那些在早期更大胆的岁月中运行足够良好的出品流程和组织。
与此同时，另一种戏剧却在蓬勃发展——这是一种场面宏大的音乐剧，在较大的商业场所表演，几年来面向成千上万的人进行夜场表演。
诸如《万世巨星》（1972年）、《猫》（1981年）、《悲惨世界》（1985年）、《歌剧魅影》（1986年），以及《西贡小姐》（1989年）这样的作品开始在伦敦焕发出生命力，并被世界各大城市所复制，为出品人、作者、谱曲者、导演、设计师们带来了巨大的财富。
但事实证明，演员们没有那么幸运，因为出品人发现，他们可以在不对票房造成巨大影响的情况下更换主角。
这种新的娱乐形式沾了技术、宣传以及销售管理方面最新发展的光。
更早期的音乐剧形式大多被淘汰了，这些音乐剧大多源自美国，依赖于明星演员、舞蹈套路以及后来可以在任何地方歌唱、录制以及表演的歌曲。
《歌舞线上》（1975—1990年）是这种类型的音乐剧的最后奋力一搏，但缺乏像《吉卜赛人》（1959年）中的埃塞尔或《屋顶上的提琴手》（1964年）中的托普尔（Topol）这样的巨星，而且里面少有动听的歌曲。
自20世纪60年代之后，流行歌手、歌曲作家以及作曲家都不再为剧院工作了。
电视、影像，以及大型场馆中的现场音乐会是最容易赢得金钱和名誉的地方。
由此，“巨型音乐剧”
诞生了。
这是一种感官上的盛宴，其使用移动布景、电脑合成光线、“声音强效”
，以及训练有素的演员，以极其巨大的枝形吊灯、飞上舞台的直升机、陷入烈焰中的整座城市这样的场景征服了观众。
1962年，肖恩·肯尼（SeanKenny）在伦敦设计的《闪电战》场景或许就是这种运用机械化手段的时尚的开端，但使其展现全部力量的还是微光技术，到了20世纪八九十年代，这种技术已经控制了商业戏剧。
在纽约被搬上舞台的安德鲁·劳埃德·韦伯（AndrewLloydWebber）的《歌剧魅影》意味着美琪大剧院舞台前部结构的高度已经增加了6英尺（约1.83米），达到了32英尺（约9.75米）。
新的钢梁被安置在剧院中，支撑其网格和屋顶，舞台向后延伸，基座向下深挖了7英尺（约2.13米），用来安放机械。
这样观众就可以观赏到19世纪80年代被煤气灯点亮的巴黎歌剧院的礼堂了：场景可以转移到屋顶和宏伟的楼梯上，也可以移动到坟墓以及幽灵地下的巢穴中。
表演的地板上有96扇活板门，通过这些门，布景可以得以呈现，幽灵可以完成其神秘的进出。
更多的布景隐藏在两侧，此外，一条“移动走道”
——这是一个36英尺（约10.97米）的活动坡道，悬在两个25英尺（约7.62米）的塔中间——在舞台的整个纵深上下移动。
一艘漂浮在地下湖上的小船是用无线电控制的。
一扇43英尺（约13.11米）乘以29英尺（约8.84米）的铁闸门是用铝建造的，但重量仍然超过了一吨。
为了精确地移动所有这些硬件以及令人眼花缭乱的远景设备照明，精细的电脑自动化操作是关键要素。
当然，一旦建构完毕并得到技术性的操控，整个复杂的机械就可以不知疲倦地运转，1600人以上的观众就可以夜复一夜地为表演所呈现的夸张的刺激激动不已了。
从某种程度而言，这是对维多利亚时期壮观场景的回归，只不过现在无论从视觉角度还是听觉角度而言，都具有了惊人的流畅优美性。
事实证明，它如愿以偿地让人难以抗拒。
这些变化是在英格兰和美国的经济衰退时期发生的。
在1970—1992年间，美元和英镑对马克和日元的汇率都下降了65%，而日本和德国的整体物价同期上升了两倍。
在一个失业威胁着社会新阶层的时期，强有力而富于效果的舞台布景想象力，离奇的人物角色和情节，以及持续的音乐和其他声音的输入通过将观众从每天的琐事中抽离出来，使观众的花费得到了确定的回报。
20世纪90年代为《悲惨世界》所做的广告是“万秀之秀”
、“音乐的盛宴”
。
公众被告知“一票难求”
。
古老的音乐剧在新的华丽而不可抵挡的作品形式中复苏了，票价快速上升：1970年纽约市音乐剧最好的座位票价大概是10美元，1980年是22.5美元，1990年是55美元——如果要短时间内通过票务代理机构或其他第三方买票，价格还要高得多得多。
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